arte

Suso Fandiño revisa algunas de las corrientes e imágenes icónicas de la historia y la historia del arte para reinterprelas, otorgando siempre nuevos significados que esconden una lectura irónica, humorística y crítica. Emplea el apropiacionismo, la seriación, la idea del cómic y la cultura de masas creando imágenes en un primer vistazo afables que cuando observamos por segunda vez esconden mensajes, reflexiones y críticas sobre la sociedad contemporánea. Con ironía, Fandiño utiliza el texto e imágenes reconocibles e instituidas dentro de eso que denominamos “contexto del arte” para destilar nuevas posibilidades y sentidos metafóricos sobre la figura del autor y su relación con el espectador. En una primera mirada su discurso parece fácil, incluso obvio, pero es en esa pretendida obviedad donde configura su radicalidad ante un sistema demasiado correcto. 

Pocos artistas han sido tan insistentes a la hora de perseguir la imagen. En sus obras, la imagen siempre será la imagen y su doble, lo positivo y su negativo, el pliegue o su desdoblamiento. Los juegos
exagerados, las negaciones iconoclastas, el orden desordenado y una condición neobarroca caracterizan un trabajo que es un interminable rompecabezas. Porque Luis Gordillo es un equilibrista de las formas, muchas veces desde el humor, como en el caso de sus dibujos para las portadas de Dardomagazine.

El de Sandra Cinto es un trabajo que abraza lo afectivo, de esos que entienden que lo revolucionario no debe llegar desde la violencia sino desde el respeto. Seguramente ese es el verdadero lugar del arte y por eso la artista propone un viaje sobre el presente, universal e individual, expandido aun cuando su dirección es hacia dentro. De ahí esa sensación abismal. El paisaje se nos ofrece como desposesión y su inmensidad convoca una nostalgia indescriptible. Las imágenes flotan como ruinas de la memoria, invitando a adentrarse en la belleza de lo inconmensurable de un paisaje desprovisto de figuras, como en la pintura romántica. En esa línea se sitúa Réquiem por uma montanha, a partir de un blanco y negro que además de centrar nuestra mirada en las cuestiones gráficas del dibujo, proyecta una suerte de luto en el paisaje. Es en ese sentido que retoma también los abismos románticos, que lejos de mirar hacia abajo invitan a volar. El dibujo urde la trama de un relato, que convoca lo político desde lo poético y se posiciona ante la tristeza que le provocan ciertas actitudes políticas que proyectan miedo para evitar el avance social, ya sea en sus pinturas, en fotografías como la serie A Travessia difícil Après Géricault –también presente en la Col. Fundación DIDAC– o en el soporte de unos libros que para la artista tienen alas en su capacidad de expandir el conocimiento.

Baltazar Torres crea mundos dentro de otros mundos. Lo hace con la ayuda del humor y la ironía como elementos desencadenantes de una reflexión crítica. Pionero en la denuncia de las catástrofes medioambientales, Baltazar Torres representa la irresponsabilidad de la humanidad como multitud y señala cómo nuestra relación con el entorno ha abandonado la contemplación y el bienestar para centrarse en la voracidad de los intereses económicos. En sus primeros paisajes industriales, esculturas minimalistas de principios de los años noventa, ya reflejaba las acumulaciones de los detritos sumergidos para construir ciudades imaginarias de formas insólitas. Más tarde, construye diminutos escenarios que hablan de la deshumanización, la pérdida de identidad, la velocidad, lo artificial, el impacto medioambiental y el desarrollo insostenible de nuestro sistema productivo y un consumo excedido. La deforestación, la acumulación de basura o el progreso y las infraestructuras exageradas, contrastan con muchos de sus personajes, que pasivamente contemplan la vida como si los problemas fuesen irreversibles, como el personaje de su obra Pele, convertido en carretera.