El de Sandra Cinto es un trabajo que abraza lo afectivo, de esos que entienden que lo revolucionario no debe llegar desde la violencia sino desde el respeto. Seguramente ese es el verdadero lugar del arte y por eso la artista propone un viaje sobre el presente, universal e individual, expandido aun cuando su dirección es hacia dentro. De ahí esa sensación abismal. El paisaje se nos ofrece como desposesión y su inmensidad convoca una nostalgia indescriptible. Las imágenes flotan como ruinas de la memoria, invitando a adentrarse en la belleza de lo inconmensurable de un paisaje desprovisto de figuras, como en la pintura romántica. En esa línea se sitúa Réquiem por uma montanha, a partir de un blanco y negro que además de centrar nuestra mirada en las cuestiones gráficas del dibujo, proyecta una suerte de luto en el paisaje. Es en ese sentido que retoma también los abismos románticos, que lejos de mirar hacia abajo invitan a volar. El dibujo urde la trama de un relato, que convoca lo político desde lo poético y se posiciona ante la tristeza que le provocan ciertas actitudes políticas que proyectan miedo para evitar el avance social, ya sea en sus pinturas, en fotografías como la serie A Travessia difícil Après Géricault –también presente en la Col. Fundación DIDAC– o en el soporte de unos libros que para la artista tienen alas en su capacidad de expandir el conocimiento.
En sus obras Caio Reisewitz procura reflexionar sobre el deterioro del espacio natural y cómo el ritmo en el que avanza y evoluciona la sociedad actual no tiene en cuenta la presencia de la naturaleza en ese
proceso. Su mirada, casi siempre frontal y sobria, huye de cualquier atisbo de exuberancia y belleza sublime, buscando el lado difícil, menos amable, de la imagen en su relación con el espectador. En Cangahy se produce una mezcla de paisajes y tradiciones elaborada a través del collage fotográfico. Los collages descubren las miserias de la ilusión y funcionan como mentiras tornadas verdad, como engaños descubiertos. Es como si un punto de inflexión atravesase el universo artístico de Caio. Pequeñas cajas contienen una obra eminentemente neobarroca, donde el motivo del paisaje se desborda y llega a una extremosidad que violenta la imagen, llena de cortes, fisuras y trucos que dejan ver voluntariamente las cicatrices del collage. Este aspecto manual, de apariencia espontánea, torna la escena densa, llena de pliegues, superposiciones y perspectivas distorsionadas, juegos de escala, tensiones y quiebros.
La obra de Albano Afonso reflexiona sobre la naturaleza de la luz y el tiempo a través de lenguajes plásticos muy diversos donde siempre está presente el interés pictórico. Revisando géneros como el retrato, el bodegón o el paisaje, comprende un proceso de experimentación continua donde la historia del arte es reinterpretada desde el prisma contemporáneo. En Estudio una mirada atenta desvelará que dentro de estos encuadres de colores tan propios del neoconcretismo brasileño se esconden disimulados autorretratos del artista, sugeridos tras la luz de los flashes de las fotografías que realiza en su propio estudio e insinuados a través de fragmentos de su cuerpo. El espacio de trabajo del artista se revela en las fotografías cuando la observación se ralentiza, como una mirada interior. Albano Afonso nos invita a transitar la imagen, a procurar sus resonancias, integrando la realidad y lo cotidiano; un lugar que no es para la exactitud ni para la evidencia, sino para el desasosiego, para la turbación. Así, el juego de yuxtaposición de filtros de color RGB nos lleva directamente al universo de las vidrieras, que permiten ver el interior del espacio al tiempo que proyectar juegos de luz y color convirtiendo el contexto en contenido.
El uso de la perversión de invertir los sentidos de muchos objetos y sus tipificaciones es el discurso que caracteriza a este artista brasileño. Objetos banales como sillas de escritorio, bolas de fútbol, osos de peluche convirtiéndolos en una cuestión conceptual. Se ve intrigado por la aparente imposibilidad de éstos, con la relación que ellos guardan entre significante y significado. En Pill Ball el artista descose una serie de pelotas de fútbol para abrirlas y después volver a coserlas juntas, alargando la forma tradicional del balón. Un arte conceptual heredero de los readymades de Duchamp, ya que con sus obras trata al espectador como agente activo huyendo del rol contemplativo por la vía del humor y de la ironía.
Diseñador gráfico, fotógrafo y dibujante, América Sánchez se formó de modo autodidacta con una influencia marcada por el Estilo Tipográfico Internacional. Defiende un trabajo a mano alzada, sin el empleo del ordenador, donde la experimentación y la diversidad de disciplinas concedan riqueza a los recursos gráficos, que posan en muchas ocasiones la mirada en la cultura popular y las necesidades sociales. La portada del LP de Misa Criolla denota su inclinación por un grafismo plástico y ágil y una combinación cromática y formal rotunda acorde con los ritmos de la creación de Ariel Ramírez.
Editorial Losada (Biblioteca clásica y contemporánea).
Editorial Losada fue el primer gran entramado empresarial del libro en Latinoamérica. La apuesta de Gonzalo Losada al abandonar Espasa-Calpe y emprender esta aventura llevándose con él a Guillermo de la Torre y Attilio Rossi, fue grande y Editorial Losada fue una tribuna imprescindible del pensamiento republicano español, llegando a editar toda la obra literaria de la Generación del 27 y siendo conocida como la «editorial de los exiliados». Editorial Losada apostó por importantes diseñadores, desde Attilio Rossi a Silvio Baldessari, que fue probablemente el ilustrador de libros más prolífico de la historia en la Argentina, desarrollando con éxito las portadas de los libros de la Biblioteca Clásica y Contemporánea de Editorial Losada, en muchos casos con un peculiar sentido del humor, como en este caso la ilustración de la cubierta de Antología rota de León de Felipe, con epílogo del propio Guillermo de la Torre. Silvio Baldessari también realizó portadas para la editorial Paidós, sobre todo de su colección Letras Argentinas, dedicándose también al humor, como dibujante y editor.
El uso de la perversión de invertir los sentidos de muchos objetos y sus tipificaciones es el discurso que caracteriza a este artista brasileño. Objetos banales como sillas de escritorio, bolas de fútbol, osos de peluche convirtiéndolos en una cuestión conceptual. Se ve intrigado por la aparente imposibilidad de éstos, con la relación que ellos guardan entre significante y significado. Como se advierte en Deseño Espacial, 2005, el artista juega con la repetición de un elemento como es el lápiz de color y genera una nueva composición geométrica.
Las obras del artista José Spaniol son esculturas con tiempo. Como en este ejemplo de su serie O descanso da sala —en este caso, una silla desdoblada como si fuese un palíndromo— cuestiona el orden de las cosas. Con un mesurado sentido del humor, nos invita a salir de nuestro mundo para entrar en otro ‘aliciante’, como si atravesásemos un espejo virtual. Spaniol trabaja desde las zonas de conflicto: multiplicando el espacio con espejos, los soportes arquitectónicos, desdoblando los objetos o jugando con la reversibilidad del lenguaje. En las obras de José Spaniol nos movemos en un espacio indefinido, con signos que, antes de situarnos, acaban por ahogarse en una ausencia de límites. Porque su trabajo busca un espectador capaz de experimentar dislocaciones y energías; en definitiva, capaz de valorar más el ‘entre’ que el ‘antes’ o el ‘después’. En ese sentido, Spaniol resuelve como un escultor de ‘formas perdidas’, desde la tensión poética, buscando la viceversa del objeto.
Aluminio e aluminio pintado (pintura eletrostática)
Ed 2 + 1 PA. Dimensiones variables
José Bechara juega con los desórdenes y los márgenes hasta llegar a un interesante estado de suspensión. De mirada eminentemente pictórica, es cierto que esa condición se da a partir de una suerte de conexión espacial, de diálogo con el contexto que le rodea. En sus instalaciones escultóricas, trabaja con el peso, con la escala, con el equilibrio y con las estructuras, aunque en sus trabajos más recientes -ya sea en piezas de gran tamaño o de pequeña escala- ha introducido la gravedad y la ligereza, características que ya estaban latentes pero resultaban más invisibles. Esa suerte de azar desobediente caracteriza también sus pinturas, máxime en las que realiza un proceso de oxidación que nos conduce a la abstracción. A partir de una serie de capas de acero de diferente espesor que sella sin pincel para posteriormente mojarlas, deja que el tiempo cobre protagonismo y actúe. Así, se constituyen los matices, los gestos que tornan artístico el proceso. Es por tanto la pintura un lugar para la agresión, un gesto de tiempo —como cuando reutiliza superficies de cuero blanco procedente de pieles de vacas o bueyes que descubren una textura capaz de registrar el paso del tiempo a partir de la vida llena de marcas de estos animales a modo de proyección pictórica—, una transformación. Esas tensiones entre líneas, fuerzas y vacíos dominan también sus dibujos, de una gran presencia física al tiempo que de aspecto inacabado, abrazando el carácter de manualidad que lo aleja,paradójicamente, de su herencia minimalista.
