arte

Las obras del artista José Spaniol son esculturas con tiempo. Como en este ejemplo de su serie O descanso da sala —en este caso, una silla desdoblada como si fuese un palíndromo— cuestiona el orden de las cosas. Con un mesurado sentido del humor, nos invita a salir de nuestro mundo para entrar en otro ‘aliciante’, como si atravesásemos un espejo virtual. Spaniol trabaja desde las zonas de conflicto: multiplicando el espacio con espejos, los soportes arquitectónicos, desdoblando los objetos o jugando con la reversibilidad del lenguaje. En las obras de José Spaniol nos movemos en un espacio indefinido, con signos que, antes de situarnos, acaban por ahogarse en una ausencia de límites. Porque su trabajo busca un espectador capaz de experimentar dislocaciones y energías; en definitiva, capaz de valorar más el ‘entre’ que el ‘antes’ o el ‘después’. En ese sentido, Spaniol resuelve como un escultor de ‘formas perdidas’, desde la tensión poética, buscando la viceversa del objeto.

Aitor Ortiz ausculta los límites entre realidad y representación a partir de un dominio de la técnica fotográfica que le permite expandir sus límites en muy diversas direcciones. Tras haberse especializado como fotógrafo de arquitectura, su trabajo artístico se apoya en la objetividad de la disciplina arquitectónica desde la subjetividad analítica de la fotografía, lo que le permite generar espacios intermedios e indagar en las fisuras o intersticios que surgen de la confrontación de ambas. Si su materia prima es el espacio, este se proyecta y explora desde lo físico y desde lo mental generando opciones intermedias a partir de las posibilidades de cada medio; ya sea la textura y temperatura que emana de la atmósfera arquitectónica, de lo material; o las cuestiones perspectivas y juegos de escala que se provocan desde lo fotográfico, desde lo inmaterial. Si en sus últimos trabajos nos recuerda que la intensidad no guarda relación con el formato y la incertidumbre se potencia por el carácter encriptado de las imágenes, una vez que no conseguimos saber si las formas experimentan un estado de emersión o si por el contrario están en proceso de desaparición, en sus primeros trabajos evoca lo monumental, como advertimos en su serie Destructuras, en las que se prescinde de la idea de locus concreto para retratar una arquitectura sin espacios, sin lugares concretos de pertenencia. En estas fotografías el interés por la arquitectura se centra plenamente en la propia forma, en la tipología pura haciendo una reinterpretación subjetiva de la forma vacía.

A Ana Barriga le interesan los diálogos entre las figuras. Casi siempre es una relación inquieta, tensa, abierta. Como en el barroco, todo se extrema. En su polifonía, los objetos se semejan en lo discontinuo, algo así como aquello que Severo Sarduy definió como retombée, cuando lo distante, lo que interfiere, puede revelarse análogo e incluso funcionar como doble. La pintura de Ana Barriga habita en esa indecibilidad propia de la poesía, en el enigma de sus objetos, en el entrevés de sus figuras. Se sitúa así en línea con aquello que decía Artaud de que la verdad de la vida está en la impulsividad de la materia. En Ana Barriga la pintura es una suerte de fiesta salvaje, en muchos casos erótica, transgresora, siempre cerca de la profanación. Esas premisas están presentes también en su forma de pintar con spray y conceptualmente con la elección y distorsión de sus motivos. Porque su pintura evoca lo barroco, pero no es una pintura oscura, porque dominan los brillos, los colores, la luz. Lo erótico no se esconde en la tiniebla y se muestra en el primer plano de lo profanado. Los colores se golpean entre sí y las relaciones abrazan la contradicción. La sensación se pone al servicio de la vibración y la artista convoca el placer de la distorsión.

Luis Seoane evitaba toda estandarización buscando aprehender los paradigmas culturales de las tradiciones de un lugar, no tanto con la intención de replicar lo logrado sino buscando renovar las formas ancestrales para proyectarlas en el presente y el futuro de la industria, convirtiendo esas formas en inéditas. Se trata de recoger las formas que caracterizaron la historia de un pueblo y al hacerlo, afirmar una diferenciación cultural que de lo contrario corre el riesgo de perderse. Es algo que se puede advertir en imágenes como la de Luis Seoane observando una figurita de miga de pan de San Andrés de Teixido en su taller del Castro de Samoedo, en 1967 —de la que saldrá su original Ramo vermello—, observando con detenimiento sus grabados o las escenas de sus tapices, que tienen la magia del relato oral. Luis Seoane investigó los dibujos de los grabados prehistóricos de Galicia, la cerámica de Buño, el ornamento de los trajes y toda una serie de cosas que le representan como gallego y que entiende que pueden ser adaptados al diseño de la civilización industrial. Esa es la idea que se expone en los fundamentos del Laboratorio de Formas, donde se empuja a la construcción de un sistema de expresión propio y a la promoción de industrias capaces de fabricar objetos con origen.